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Jean Dubuffet

Dubuffet nació en Le Havre. Se mudó a París en 1918 para estudiar pintura en la Académie Julian, pero luego de seis meses dejó la academia para estudiar de forma independiente. En 1924, dudando del valor del arte, dejó de pintar y se hizo cargo del negocio de su padre vendiendo vinos. Retomó la pintura nuevamente en la década de 1930, pero se detuvo nuevamente, sólo volviendo por largo tiempo en 1942. Su primera muestra individual se produjo en 1944. Se aproximó al surrealismo en 1948, luego a la patafísica en 1954.

Influenciado por el libro de Hans Prinzhorn, Artistry of the Mentally Ill, Dubuffet acuñó el término Art Brut (arte en bruto) para el arte producido por no profesionales que trabajan por fuera de las normas estéticas, tales como el arte de los pacientes mentales, prisioneros y niños. Él formó su propia colección de tal forma de arte, incluyendo a artistas tales como Aloïse Corbaz y Adolf Wölfli. Dubuffet pretendía crear un arte tan libre de las preocupaciones intelectuales como el Art Brut, crea figuras elementales y pueriles y, a menudo crueles:(se inspiro en los dibujos de los niños,los criminales y dementes) personajes bufos, morbosos,como las mujeres de su serie"DAMES"; o seres infrahumanos,figuras deformes,absurdas y grotescas como los ciclos "BARBAS"

Muchos de los trabajos de Dubuffet fueron realizados con óleos, utilizando un lienzo reforzado con materiales tales como arena, alquitrán y paja, otorgándole al trabajo una inusual superficie texturada. Desde 1962 produjo una serie de obras en las cuales se limitaba a sí mismo con los colores rojo, negro, blanco y azul. Hacia finales de la década de 1960 se volcó más a la realización de esculturas, produciendo trabajos en poliestireno, a los cuales pintaba con vinílico.

Jean-Dubuffet-Manoir-d-Essor

Jardin d'émail Dubuffet

venus de acera

Antoni Tápies

Biografía:
Pintor y escultor español, nacido en Barcelona, uno de los líderes del informalismo español, cuya influencia será decisiva a nivel internacional. Tàpies inicia su trayectoria artística en el año 1945, tras abandonar sus estudios de derecho y después de una convalecencia por una enfermedad pulmonar que le posibilita el reposo físico y psíquico necesario para el estudio y la reflexión intelectual. Es entonces cuando se acerca a la obras de filósofos como Friedrich Nietszche, Miguel de Unamuno y Arthur Schopenhauer, poetas como Edgar Allan Poe, músicos como Richard Wagner o Robert Schumann, y artistas como Vincent van Gogh o la época surrealista de Pablo Picasso. Poco después descubriría a Jean Paul Sartre, cuyo existencialismo marcaría su trayectoria vital y artística. Sobre la base del surrealismo funda en 1948, junto a un grupo de jóvenes artistas e intelectuales catalanes, el grupo Dau al Set, que plantea una opción artística y cultural vanguardista de ruptura con las corrientes convencionales que se desarrollaban por entonces en España. En 1950 se le concede una beca de estudios en París, donde toma contacto con las ideas revolucionarias de izquierda y con la pintura abstracta. Ese mismo año realiza su primera exposición individual. En 1951, Tàpies se desliga del grupo Dau al Set e inicia una evolución individual, optando por una línea informalista, abstracta, basada en las investigaciones sobre la materia pictórica como medio expresivo artístico, impone como valor total la materia frente a la forma. De ahí que su obra sea exponente de primer orden de la corriente matérica informalista. A lo largo de su trayectoria utiliza diversos procedimientos. En el collage mezcla elementos heterogéneos con la pasta pictórica aplicada directamente del tubo en forma de empastes gruesos y granulosos, sobre los que realiza huellas, incisiones, surcos y grietas, con los dedos y otros medios. Otras veces usa el grattage, que consiste en el rascado o rayado de superficies como cartón. El objetivo final es una pintura de relieves, orográfica, recreándose en la presentación de texturas rugosas, porosas o granulosas (matéricas en definitiva) que contrastan con superficies lisas, como se observa en su obra Blanco craquelado (1956).

A partir de 1953 hace uso de la técnica denominada mixtura, consistente en la mezcla de pintura al óleo con polvo de mármol, cuya finalidad es, de nuevo, resaltar el carácter matérico de la obra, como en Negro con mancha roja (1954). Otras veces emplea el encolado de superficies. En sus obras se repiten una serie de signos e imágenes que pertenecen al universo simbólico e interior del artista, con claras alusiones al universo, la vida, la muerte o la sexualidad. Entre ellos aparecen en sus composiciones figuras geométricas, más o menos difuminadas o distorsionadas, como el óvalo (Óvalo blanco, 1957), el círculo, el cuadrado (Puerta gris, hacia 1958), más tarde el triángulo (Forma triangular sobre gris, 1961), signos como la cruz, constante a lo largo de su carrera, que puede ser griega, latina, en aspa (Gran equis, 1962), en forma de T, ésta última asociada a la inicial de su apellido, números, letras, entre otros. En este sentido cabe citar Materia negra sobre saco (1960) y Cuerdas entrecruzadas sobre madera (1960). A partir de 1962 comienza una etapa en la que se produce la integración en la obra de objetos cotidianos como cuerdas, platos (Montón de platos, 1970), paja, junto a signos antropomórficos (pie, mano, dedos), como se observa en Blanco con pisadas, que denota un interés por plasmar la huella y presencia humana en sus obras, también aparecen temas y símbolos de carácter sexual (órganos sexuales masculinos y femeninos, paja, mantas, cama…) como en Paja sobre tela. Su gama cromática ha oscilado entre el monocromatismo y colorido neutro con predominio de grises, negros, blancos y ocres y la inclusión de un colorido más vivo, con rojos, naranjas, rosas, amarillos y azules. A partir de la década de 1970 su obra presenta heterogeneidad estilística y, si bien sigue cultivando el informalismo, a veces presenta una realidad objetual integrada por la presentación de elementos cotidianos, por ejemplo en Materia gris en forma de sombrero. Tàpies ha sido considerado precursor del arte povera. Desde la década de 1950 su obra ha gozado de reconocimiento internacional, reflejado en el hecho de la organización de exposiciones sobre su obra por parte de grandes museos y galerías de arte del mundo entero. En 1958 recibió el Premio Carnegie y en 1967 el de la Bienal del Grabado de Ljubljana. Son también numerosos los estudios teóricos realizados por especialistas sobre su obra. Además, ha realizado cerámicas, tapices y esculturas, entre las que cabe destacar su mosaico de la plaza de Sant Boi de Llobregat (Barcelona), sus esculturas públicas Homenaje a Picasso y Núbol i cadira (Nube y silla), ambas inauguradas en Barcelona en 1990, y su polémico Calcetín (1992), de 18 m de largo. En 1990 se inauguró en Barcelona la Fundación Tàpies, creada por iniciativa del propio artista para fomentar y difundir el conocimiento del arte contemporáneo, así como para exponer y conservar su propia obra.

Homenatge a Picasso (1983)

Descripción: Cubo de vidrio laminado con objetos. 2,15 x 2,15 x 2,15 cm.
Localización: Passeig Picasso, s/n (Barcelona)
Autor: Antoni Tápies
Barniz con formas negras (1982)

Descripción: Técnica y barniz sobre tela. 205 x 275 cm.
Localización: VEBA AG. Düsseldorf
Autor: Antoni Tápies

Galardones:
Príncipe de Asturias (1990), Praemium Imperiale (1990), Velázquez (2003)

Carlos de Haes

Carlos de Haes era un pintor español de origen belga (Bruselas, 25 de enero 1829 - Madrid, 17 de junio de 1898). Se le puede clasificar como un paisajista, dentro de la tendencia general del Realismo. Fue catedrático de Pintura de Paisaje en la Escuela de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid desde 1857. Entre sus alumnos estuvieron Aureliano de Beruete y Darío de Regoyos. Lo mejor de su extensa obra (cuatro mil cuadros y apuntes) se puede ver en el Museo de Málaga, en el de Museo de Lérida (legado J. Morena, 80 piezas) y en el Museo del Prado (Casón del Buen Retiro).

Siguiendo el ideal académico, consideraba que el fin del arte es la verdad que se encuentra en la imitación de la naturaleza, fuente de toda belleza por lo que el pintor debe imitar lo más fielmente posible la naturaleza, debe conocer la naturaleza y no dejarse llevar por la imaginación. [1]

No puede considerársele seguidor del plenairismo, pues era partidario de trabajar del natural sólo los bocetos, mientras que el cuadro debe ser acabado con el trabajo clásico de taller.

En cuanto a la técnica de su pincelada tiene connotaciones impresionistas, no así con el tratamiento de la luz y el color.

Bajamar (Guetary)
h. 1860 – 1880
Óleo sobre lienzo, 38.9 x 59.6 cm
Ingresa en el Museo en 1926 como depósito del Museo del Prado.
Nº inv. 1368

Rompientes
h. 1860 – 1880
Óleo sobre lienzo, 26.6 x 41.7 cm
Ingresa en el Museo en 1926 como depósito del Museo del Prado.
Nº inv. 1365

Canal abandonado. Vriesland (Holanda)
h. 1860 – 1880
Óleo sobre lienzo, 28.4 x 39 cm
Ingresa en el Museo en 1926 como depósito del Museo del Prado.
Nº inv. 1366

Praderas (Villerville)
h. 1860 – 1880
Óleo sobre lienzo, 37 x 61.5 cm
Ingresa en el Museo en 1926 como depósito del Museo del Prado.
Nº inv. 2324

Gilles

Esta es una obra realizada por Jean-antonie watteau. llamada " Gilles".

Jean-antonie watteau nacio en valenciennes el 10 de octubre de 1684 y fallecio en 1721.

fue uno de los grandes genios del barroco fraces y del rococo. con el empezo un movimiento llamado las fêtes galantes (fiestas galantes), reflejo de la vida cortesana que busca artificialmente un contacto con la naturaleza.








Gilles

Es una obra realizada en oleo sobre lienzo el cual fue realizado el mismo año en que Jean-antonie watteau fallecio.
En este cuadro se representa el tipico personaje de la comedia del arte por su traje pintoresco el cual era usado en estas obras comicas, no se sabe con certeza quien era o el nombre del personaje que aparece en esta obra.
este personaje contrasta con todos los demas sujetos que aparcen detras de el ya que estos si manifiesta "vida" lo cual seria al muy tipico del la comedia de esa epoca.La pintura esta envuelta en arboles debido que esa era una las principalaes caracteristicas del rococo.
Esta pintura está considerada una obra maestra de su autor gracias a la fluidez de su pincelada, los colores brillantes y el punto de vista, desde abajo, adoptado por el autor.